“Художественное путешествие по России”. Дню России посвящается.

Россия – самая большая страна на карте мира. Больше семнадцати миллионов квадратных километров её необъятных территорий простираются от Камчатки до Калининграда и удивляют разнообразием своих экосистем. Леса, степи, горы, всё величественное и прекрасное природное богатство России извечно пленяло, как её жителей, так и тех, кому посчастливилось быть её гостем. Ещё Константин Георгиевич Паустовский говорил: «Любовь к родной стране начинается с любви к природе». Писатели и поэты на протяжении многих лет воспевали красоту русской природы, её времена года. У Афанасия Афанасьевича Фета есть замечательное стихотворение, хорошо передающее весь контраст русского лета:

Как здесь свежо под липою густою —

Полдневный зной сюда не проникал,

И тысячи висящих надо мною

Качаются душистых опахал.

А там, вдали, сверкает воздух жгучий,

Колебляся, как будто дремлет он.

Так резко-сух снотворный и трескучий

Кузнечиков неугомонный звон.

За мглой ветвей синеют неба своды,

Как дымкою подернуты слегка,

И, как мечты почиющей природы,

Волнистые проходят облака.

Нет, пожалуй, ни одного времени года, не воспетого русской поэзией. Однако и лиричность солнечного дня, и звенящие в тишине предгрозового неба размышления о вечном, как и множество других, порою еле уловимых настроений, были героями не только у гениев русского слова.

В истории живописи русский пейзаж стал самобытным явлением, ни на что не похожим. Посвящённый красоте русских земель, этот пейзаж парадоксально откликается в сердце каждого смотрящего вечными вопросами. И Дальний Восток, и все остальные регионы нашей Родины навсегда остались запечатлёнными кистью великих мастеров…

Так получилось, что на долю этого художника выпала одинаково сложная и прекрасная миссия – открыть современной ему живописи Дальний Восток. Разумеется, осознанной установки что-либо открывать у Алексея Михайловича не было, но глубина его таланта навечно запечатлела в сознании зрителя понятие «Федотовский пейзаж».

Родился будущий пейзажист весной, 13 марта 1919 года в селе Катарбей Нижеудинского района Иркутской области. В 1930 году  его семья переехала в г. Читу. Там он начинает посещать первую в Чите детскую художественную изостудию при Доме пионеров, которой руководил художник-педагог, пейзажист, организатор профессионального  союза художников в Чите, Иван Павлович Сверкунов, который смог внушить своим ученикам любовь к красоте окружающих их земель. В 1937 году отца будущего художника репрессировали. После этого Алексей Михайлович решает уйти из дома. В Иркутске он поступает в художественное училище. С началом ВОВ, в 1941 году, его призывают в армию. Это был 3-й курс училища. Уже после завершения Войны, в 1946 году, демобилизовавшись, поступает на работу в Читинские художественные мастерские.

1951-1958 годы принято считать забайкальским периодом Алексея Матвеевича. В эти годы им был создан ряд поразительных пейзажей, в числе которых  «Байкал», представленный в 1957 году на выставке «Советская Россия» и отмеченный дипломом Министерства культуры. Пейзаж был признан лучшим среди произведений тех художников, кто писал Байкал.

В 1958 году Федотов приезжает в г. Хабаровск. Имея опыт написания природы Сибири и Забайкалья, художник быстро нашёл точки соприкосновения с дальневосточным пейзажем. Даже не смотря на аскетизм некоторых мест этого края, палитра художника включала десятки оттенков, наполняя его работы впечатляющим и правдивым колоритом.

Знаковой для хабаровского зрителя стала работа мастера «Осень в Приамурье». Яркий, но вместе с тем не обжигающий пожар таёжной осени захватывает внимание зрителя без остатка. Каменное основание соединяется с огненным покрывалом листвы, тонкие сероватые корни несколько хаотично прорезают пространство, подобно нитям. Не остаётся никакого сомнения в том, что природа на полотне – полновластный покровитель этого места.

Художник ушёл из жизни в 1985 году.

Несколько иной подход в изображении осени выбирает художник Юрий Иванович Волков в работе «Сахалинские дали». Мастер стремится показать необъятность Сахалинского пейзажа. Холмы на его работе уже окрасились в рыжий цвет, но мастер не сосредотачивает наше внимание на частных деталях. Вместо этого он изображает природу, как единый массив. Она обступила поселение внизу, которое кажется совершенно мизерным. Художественный приём автора делает изображённые холмы текучими, лишая их жёсткости и закладывая в монументальные очертания горных хребтов еле ощутимое движение. Это позволяет избежать на картине превращения природы в исполинского монстра.

Сахалин – крупнейший остров России, рельеф которого в основном представлен средневысотными горами и низкогорьями. Совершенно не удивительно, что художник стремиться передать аутентичный пейзаж этого места.

Юрий Иванович Волков был художником широко профиля. Занимался он и графикой, и живописью. Его интересовали портрет, пейзаж, натюрморт и сюжетно-тематические картины.

Родился художник так же весной, 2 апреля 1941 года в г. Александровск Сахалинской области.

В 1957–1962 годах учился на живописно-педагогическом отделении Владивостокского художественного училища, в 1962–1967 – на живописном отделении художественного факультета Дальневосточного педагогического института искусств (ныне Дальневосточная государственная академия искусств), который в 1962 году только открыл свои двери.

С 1967 года принимал участие в художественных выставках, городских, краевых, зональных, республиканских, международных. Был делегатом последнего съезда Союза художников СССР. В 1992 году участвовал во всемирной регате «Коломбо-92».

В 2001 году Юрию Ивановичу Волкову присвоено звание заслуженного художника Российской Федерации.

Не стало Юрия Ивановича в 2017 году.

Родился 22 мая 1923 года в с. Беловодье (ныне г. Риддер, Казахстан). Первые уроки по изобразительному искусству получил в изостудии, где учителем его был советский художник и архитектор Франц Феликсович Иванчук, лично организовавший эту студию.

Начало профессионального пути Николая Павловича было отмечено идеологическими темами, что вполне естественно для художников советского периода. База для подобного творчества у Николая Павловича была наиотличнейшая. На факультете монументально-декоративной живописи в Московском институте прикладного и декоративного искусства, куда Долбилкин поступил после окончания войны, его педагогами были Александр Александрович Дейнека, Павел Петрович Соколов-Скаля и Пётр Митрофанович Шухмин, видные советские художники, живописцы и графики, отметившиеся в темах патриотизма и войны, жизни простых советских граждан. Однако война для Николая Павловича закончилась лишь в 1947 году: будущий художник в составе Шестой танковой армии участвовал в ликвидации японско-квантунской группировки в Китае. Воевал Николай Павлович с 1943 года, когда добровольцем ушёл на фронт…

Стоит отметить, что первая персональная юношеская выставка Николая Долбилкина состоялась в клубе полиметаллистов ещё в марте 1941 года. Тогда будущий художник представил свои первые акварельные пейзажи вместе с графическими портретами.

После окончания трёх курсов МИПИДИ Николай Павлович перевёлся в Ленинградское Высшее художественно-промышленное училище им. В.И. Мухиной, тоже на факультет монументально-декоративной живописи. В 1955 году окончил училище с отличием и получил звание художника монументального и декоративного искусства.

В том же году Николай Павлович принял предложение о работе в Комсомольске-на-Амуре. В Хабаровск Николай Павлович перебрался в 1965 году.

Нельзя не отметить и любовь Николая Павловича к истории искусства. Художник в соавторстве со своим московским другом, профессором Виктором Викторовичем Бугровским,  написал книгу о русском искусстве Средневековья и о своём любимом художнике этого периода – Дионисии.

Пейзажи художника – единственная грань творчества, однозначно принимаемая зрителям по сравнению с его соцреалистическими и портретными работами. На картине «Скалистый берег» зритель видит высокое голубое небо, быструю реку и вздымающийся над ней утёс. Твёрдость и монументальность этого утёса сосредоточены в густом тёмном цвете. Контрастируя с бледноватым небом по цвету и с уходящей вглубь перспективы рекой по вектору композиции, этот утёс предстаёт единственной константой в изменяющемся пейзаже.

Умер Николай Павлович Долбилкин в 2010 году.

Легендарный волшебник белого цвета, художник, умевший создавать белый цвет из удивительных сочетаний красок и подчёркивать его свет и чистоту тончайшими контрастами, но при этом не злоупотреблять в творчестве своей любовью к нему.

Фирменное сочетание белого и голубого как нельзя лучше подходит морским видам. Пейзаж «Николаевск-на-Амуре» пример мастерства художника в создании гармоничных сочетаний цветов, а так же в изображении общих планов, где простор неба и гладь воды словно образуют неделимое пространство. Вода у Зорина – это не бегущий вдаль поток и не тёмный омут, его вода – это светлая зеркальная поверхность, голубая, но не холодная настолько, чтобы оттолкнуть зрителя. Мягкий голубой оттенок замешан здесь в толерантной манере автора, а представленный вид, дополненный на переднем плане изображением чаек, выглядит по-хорошему открыточно. Все элементы, созданные человеком, изображены без индустриального гротеска. Пожалуй, ключевым понятием этого пейзажа будет гармония.

Николаевск-на-Амуре – бывшее военно-административное поселение Николаевский пост, основанное капитаном I ранга, известным мореплавателем Геннадием Невельским в 1850 году при одобрении императора Николая I. К моменту преобразования поселения в город в 1856 году Николаевск уже был крупнейшим портом Дальнего Востока России. По сей день Николаевск-на-Амуре является важнейшим портом страны, поэтому «героя» для своего пейзажа Григорий Степанович выбрал безошибочно.

Родился Григорий Степанович 28 февраля 1919 года в деревне Власово Уральской области. В 1939 году поступил в Иркутское художественное училище, но в 1941 году был призван на фронт. Во время войны участвовал в боевых действиях на Втором Дальневосточном фронте по освобождению территории Китая от японских милитаристов. Демобилизовался в 1946 году.

В историю живописи Григорий Степанович вошёл как мастер исторической картины, с его именем так же связано начало профессиональной жизни Хабаровской организации СХ России. Преемственность в творчестве Григория Степановича в первую очередь прослеживается в традициях художников-шестидесятников, что делало его историческую живопись не просто срезом представленного периода, а будто сплетало её с современностью художника через традиции его времени.

Умер Григорий Степанович в 2006 году.

Величайший дальневосточный пейзажист, написавший более 1000 видов природы, но считавший вершиной своего творчества полотна на тему Гражданской войны на Дальнем Востоке.

В пейзаже Василию Николаевичу были подвластны все времена года и любое время суток. Высоцкий обладал талантом показать привычную глазам дальневосточника природу так, что заново открывал её красоту.

Родился 6 января 1908 года в селе Сергеевка Хабаровской губернии. По окончании семи классов был направлен отделом народного образования в художественно-промышленный техникум г. Благовещенска. Одним из основателей техникума, а так же его первым директором был Пётр Сергеевич Евстафьев, художник и педагог, ученик Ильи Ефимовича Репина, мастер пейзажа, яркий представитель русской художественной культуры начала ХХ века, сумевший передать своим ученикам один из главных заветов своего наставника, И.Е. Репина: «Правда жизни – высший критерий художественности». В 1931 году Василий Николаевич заканчивает техникум, после чего преподаёт изобразительное искусство в средних школах города Благовещенска.

С 1932 года участвует в художественных выставках, что означает для художника начало профессиональной деятельности. В 1941 году был удостоен премии Союза художников РСФСР за произведение «Удэгейская мать», тогда же избран первым председателем Хабаровской организации Союза художников. В 1955 году участвовал во Всесоюзной художественной выставке художников–маринистов картинами «Сейнера» и «Прибой».

Об этом художнике принято говорить, что сама тайга была его академией. Мощный колорит дальневосточной природы звучит в работах Высоцкого громко и точно, его пейзажи – это не пейзажи впечатления, это – сама природа, бережно перенесённая на холст или картон.

В своей работе «Русская зима» Василий Николаевич изображает заготовленные на зиму брёвна, засыпанные снегом. В этой лаконичности, в умении оставить излишне прямолинейные элементы «за кадром» раскрывается талант Высоцкого в передачи самобытности не только русского пейзажа, но и быта. Недаром он называет свою работу «Русская зима», а не, к примеру, «Дальневосточная зима», делая образ этого времени года близким и понятным каждому русскому человеку. Его белый цвет не столь изящен, скорее – он всеобъемлющ, но атмосфера работы от этого только выигрывает.

Не стало Василия Николаевича в 1986 году.

Художник, сделавший зиму объектом своего творческого и научного интереса. Первый живописец Арктики, считающий себя больше писателем, общественным деятелем и исследователь полярных земель. Про него говорили, что он, как никакой другой художник, способен передать в своих полотнах всю палитру снега, насколько странным бы не казалось это утверждение непосвящённому человеку. Именно он стоял у истоков транспортно-экономического освоения Севера, разрабатывая вопросы по решению надлежащих для этого задач. Борисов сопровождал Сергея Юльевича Витте, министра путей сообщения, на пароходе «Ломоносов» в поездке по Северу. В обязанности Борисова входили зарисовки гаваней и бухт Мурманского побережья. Сам художник относился к своим обязанностям с педантичностью учёного, не воспринимая это за чистое творчество, хотя немало был увлечён этими зарисовками. Из поездки он привёз около 150 этюдов, часть которых экспонировалась в 1897 году на академической выставке в Петербурге. Эти работы вызвали восхищение Виктора Михайловича Васнецова и одобрительные отзывы видного художественного критика, историка искусств Владимира Васильевича Стасова.

Родился Александр Алексеевич 14 ноября 1866 года в деревне Глубокий Ручей, близ Красноборска, Вологодская губерния. С 15 лет работал на рыболовной тоне в Соловецком монастыре, позже устроился учеником в иконописную мастерскую. Архимандрит монастыря увёз юношу в главную обитель, чтобы, будучи послушником, Александр Алексеевич обучался рисованию и иконописи. К такому решению архимандрит пришёл, увидев карандашные рисунки Борисова. Вскоре на работы юного художника обратили внимание и посещавшие Соловки президент Академии художеств Великий князь Владимир Александрович и известный собиратель живописи генерал Андрей Андреевич Боголюбов, служивший в штабе Петербургского военного округа. Они помогли Александру Алексеевичу: ему была выделена стипендия, и 20 сентября 1886 года он приехал в Санкт-Петербург, где с 1888 по 1892 годы обучался в Академии художеств.

В 1895 году Борисов занимался в мастерской Ивана Ивановича Шишкина, а через год после его ухода из Академии — у Архипа Ивановича Куинджи.

После экспедиции Александра Борисова на Новую Землю целый ледник был назван именем Третьякова, а  именами его учителей были названы несколько мысов: Шишкина, Крамского, Васнецова, Верещагина, Репина и, конечно, Куинджи.

Умер художник в Северном краю в 1934 году.

Один из наставников Александра Алексеевича Борисова. Художник, о котором написано множество статей, исследований и книг. Рассказать о нём в полном объёме (впрочем, как и о любом другом) просто не представляется возможным в рамках данного материала. Он безотказно находит отклик в сердцах зрителей, благодаря своим «светящимся» полотнам, его фамилия обескураживает, заставляя далёких от искусства людей полагать, что он иностранец, подобных ему в русской живописи не было ни до него, ни после. Если вы спросите школьника или студента, впервые посетившего ДВХМ, какая картина ему запомнилась больше всего, то 90%, что он ответит: «Там, где луна ночью светится». Удивительно, но именно эта луна влечёт обратно в музей тех, кто уже видел её однажды, поэтому сотрудникам ДВХМ часто приходится слышать от посетителей вопрос: «А в каком зале картина, где луна над морем? Хотел[а] показать сыну/дочке/внуку/внучке/жене/мужу, как она светится!». Даже самый невнимательный на экскурсии пострелёнок в ответ на вопрос о запомнившейся картине протянет: «Ну-у-у… Луна! С морем». Забавный факт: на самой картине нет луны.

Шутки шутками, но такую народную любовь не купить ни за какие деньги!

Семья будущего кудесника люминизма жила бедно, поэтому Архип Иванович с детства привык работать. В лавке хлеботорговца, где одно время работал Куинджи, ему посоветовали поехать в Крым на обучение к самому Айвазовском, когда заметили его рисунки. Архип Иванович так и сделал. Однако прославленный маринист не нашёл в юном Куинджи особого таланта и юноше по большей части поручали готовить краски или красить забор. Архип возвращается в Мариуполь и начинает заниматься ретушированием фотографий в мастерской одного местного фотографа, а по ночам тренироваться в рисовании.

В 1865 году Куинджи решил поступить в Академию художеств и уехал в Санкт-Петербург, однако первые две попытки оказались неудачными. В 1868 году он создал картину «Татарская сакля в Крыму», не дошедшую до наших дней и написанную под очевидным влиянием Айвазовского, которую выставил на академической выставке. В результате 15 сентября Совет Академии художеств удостоил Куинджи звания свободного художника. Дальше последуют годы поиска собственного пути и творческого расцвета, дружба с Товариществом передвижников, в которое его примут в 1875 году, история любви с прекрасной Верой, дружба с Менделеевым, изобретение битумных или асфальтовых красок, обострение отношений с Академией художеств и годы затворничества… Но какой бы в итоге не выглядела его жизнь в глазах современников, своим ученикам он запомнился не только как наставник и художник, но и как щедрый меценат и благотворитель, жертвующий средства на стипендии, организацию выставок.

После смерти Куинджи в 1910 году обнаружилось, что все капиталы (несколько сот тысяч рублей, недвижимость) были завещаны на цели развития живописного искусства (Общество художников им. А.И. Куинджи), ещё часть – жене и родственникам.

Увы, но после 1918-1920 годов все завещанные капиталы обратились в прах… А вот что действительно оказалось бессмертным и перед лицом времени, и перед лицом идеологий, так это талант художника и свет его картин.

Пейзажист и мастер реализма. Работы этого художника могут кому-то даже показаться похожими на работы Архипа Куинджи по тому, как Ефим Ефимович работает с источниками глобального освещения, водой и общей композицией – солнце художник располагает прямо над водной гладью, чтобы со своим отражением оно образовывало прямую вертикаль. Однако в отличие от признанного мастера люминизма, экспериментировавшего с романтическим и философским пейзажем, Ефим Ефимович был всецело предан реализму, соответственно иначе работая со световоздушной средой.

Современники называли Ефима Ефимовича «поэтом русской осени и русских туманов». Волков писал в основном пейзажи северной и средней полосы России: сюжетом своих картин он выбирал не масштабные, широкие «ландшафты», а скромные уголки природы Русского Севера и в них старался подметить и передать присущие им поэзию и очарование.

Сегодня, когда речь заходит о передвижниках, имя Волкова Ефима Ефимовича часто забывается, но именно работы таких художников как Волков обычно ставятся в пример людьми с конформистским подходом к искусству при рассуждении о таланте и мастерстве: «Каждая травинка как настоящая!».

Родился будущий мастер реалистического пейзажа 4 апреля 1844 года в Санкт-Петербурге в семье фельдшера.

Учился в Рисовальной школе Общества поощрения художников (1866 год), а в период с 1867 по 1870 годы обучался в Академии художеств, где по окончании получил звание неклассного художника за представленный на её выставку в том же году работу «Вид в окрестностях Петербурга». В 1878 году примкнул к Товариществу передвижных художественных выставок и с тех пор ежегодно, вплоть до 1918 года, являлся экспонентом передвижнеческих выставок, пользуясь репутацией одного из лучших живописцев русской, преимущественно северной природы.

Был удостоен звания академика. Кроме этого, Ефим Ефимович Волков известен также как книжный иллюстратор. Он создал ряд иллюстраций к стихотворению Михаила Юрьевича Лермонтова «Отчизна».

При своей жизни художник был чрезвычайно популярен. Ему принадлежит более пятисот пейзажей, около тысячи этюдов и великое множество рисунков.

В 1902 году в Императорской академии художеств прошла совместная выставка, на которой Ефим Ефимович представил 417(!) своих работ вместе с другим прославленным русским художником Владимиром Егоровичем Маковским.

Умер Ефим Ефимович Волков в Петрограде в 1920 году.

Пётр Петрович Верещагин, сын живописца-ремесленника Пётра Прокофьевича Верещагина и брат русского исторического живописца и портретиста Василия Петровича Верещагина.

Родился 14 января 1834 года в Перми. Первоначальное художественное образование получил в семье. Будучи подростком вместе с младшими братьями Василием и Митрофаном учился живописному ремеслу у своего отца. После смерти отца в 1843 году их наставником стал дед по матери, живописец и иконописец Иван Васильевич Бабин. Вместе с братом Василием Петровичем Верещагиным продолжил своё образование в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге (1858—1865). Однако по своим художественным интересам братья заметно различались. Пётр Петрович избрал своей специальностью ландшафтную живопись и стал известен своими пейзажами.

В пейзажной живописи художники академического направления стремились, прежде всего, к созданию идеального и, следовательно, красивого изображения природы.

Одним из учителей Петра Петровича был Сократ Максимович Воробьёв, известный ландшафтный живописец, много лет проживший в Италии. Его уроки оказали сильное влияние на Петра Петровича.

В 1860 году, на первой в своей жизни выставке, которая проходила в стенах Академии художеств, он показал две работы с изображением перспективного вида академической скульптурной выставки того года и внутреннего вида церкви на острове Валаам.

После окончания Академии работал преподавателем и создавал много пейзажей. Его виды городов или их характерных мест (Вид Ревеля от Кадриорга, 1864 год; Вид Динабурга, 1867 год; Рынок в Нижнем Новгороде, 1867 год; Вид Кремля, 1868 год) принесли ему и официальное признание, выразившееся в присвоении званий художника второй, а затем и первой степени, академика пейзажной живописи (1873 год), и известность среди любителей искусства.

После ухода с педагогической работы художник много путешествовал и много писал. Во время русско-турецкой войны 1877—1878 годов находился в действующей армии и создал ряд картин, не изменяя, однако, своим предпочтениям, — в основном пейзажи, связанные с изображением Дуная.

В одном из своих путешествий Пётр Петрович и написал картину «Река Чусовая», ставшую классикой живописных видов Урала.

Об этом художнике говорят, как о живописце, одним из первых среди русских художников «заболевшем» импрессионизмом, как о главном театральном художнике Москвы, как о педагоге и талантливом писателе! Тем удивительнее слышать, что с Академией художеств у Константина Алексеевича отношения не заладились. Однако ещё до отъезда в Петербург Константин Алексеевич поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а через год перешёл на отделение живописи. Учился у Алексея Саврасова, Василия Поленова и Василия Перова.

Вместе с другом, художником Валентином Александровичем Серовым, дважды совершил путешествие на Север, в 1894 и 1897 годах. В 1887 году Коровин впервые посещает Париж. Этот город окажет заметное влияние на художника. Здесь он увлечётся символизмом и здесь же создаст свои первые импрессионистические пейзажи под впечатлением от французских импрессионистов.

В 1900 году Валентин Александрович принял участие в оформлении российской экспозиции на Всемирной выставке в Париже, где выступил как архитектор, спроектировав здание Кустарного отдела, и как автор экспозиции, выполнив 31 декоративное панно. По итогам выставки удостоен двух золотых и семи серебряных медалей и ордена Почётного легиона.

На протяжении десятилетий Коровин участвовал в выставках художников разных направлений и объединений — передвижников, «Мира искусства», «Союза 36-ти», Союза русских художников.

После октябрьской революции в России Константин Алексеевич активно занимался вопросами сохранения памятников искусства, организовывал аукционы и выставки в пользу освободившихся политзаключённых, продолжал сотрудничать с театрами.

В 1922 году художник по совету Анатолия Васильевича Луначарского выехал за границу и поселился во Франции.

Несмотря на импрессионистичный и даже этюдный характер многих своих работ, Константин Алексеевич был восхитительным рисовальщиком, способным создавать реалистичные и точные портреты. Его карандашные рисунки поражают своей техничностью. Однако именно его пейзаж «Вечер. Последние лучи», пожалуй, будет самым необычным пейзажем из нашей подборки. Носящий действительно этюдный характер, он, тем не менее, поразительно точно передаёт природу вечернего света. Художник объединяет в единое «работающее» полотно цвет и свет, сумев передать даже характерные световые изменения солнечных лучей во время заката.

Умер Константин Алексеевич в Париже от сердечного приступа 11 сентября 1939 года прямо на одной из улиц.

Пейзажи этого русского художника куда более реалистичны, впрочем, в отличие от Ефима Ефимовича Волкова к точности Стас Юлианович стремился меньше. Отдавая дань уважения реализму, к началу XX века Стас Юлианович Жуковский всё же становится одним из самых известных в России пейзажистов импрессионистического направления.

Родился будущий мастер пейзажа в семье аристократа, лишенного, однако, владений и дворянских прав за участие в Польском восстании 1863 года и выступавшего категорически против того, чтобы его сын получал художественное образование. Но Станислава поддерживала мать, Мария, которая прививала детям любовь к музыке, языкам и рисованию, к тому же его талант заметил тогда ещё молодой преподаватель и художник Сергей Никитич Южанин, получивший художественное образование в Строгановском художественном училище и умевший замечать таланты. В те годы Станислав Юлианович учился в Белостокском реальном училище.

В 1892 году Жуковский отправляется в Москву и поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где учится у Исаака Ильича Левитана и Василия Дмитриевича Поленова. С 1895 года Стас Юлианович участвует в выставках передвижников. На рубеже столетий его картины «Весенний вечер» и «Лунная ночь» были приобретены в собрание Третьяковской галереи. В 1901 году художник заканчивает училище, а в 1903 году становится членом Товарищества передвижных художественных выставок; с 1907 года — членом Союза русских художников.

Проживая в Москве, организовал здесь частную школу, где преподавал в 1907—1917 годах. Одним из учащихся школы был поэт Владимир Маяковский.

Стас Юлианович много путешествовал по Средней полосе России (в частности, в Тверской губернии), изучая старинные «дворянские гнезда», которые станут одной из важных тем его творчества.

Свои пейзажи мастер писал на пленэре и всегда работал с натуры. В работах Стаса Юлиановича Жуковского много света и воздуха, он предпочитал писать яркими, насыщенными красками и использовал импрессионистские приемы, чтобы сделать свои полотна более лиричными. Именно такой предстаёт перед зрителем его работа «Ельник».

Художник гордился тем, что его называют русским импрессионистом, но не любил, когда его картины сравнивали с работами французских живописцев.

В сентябре 1923 года художник уехал в Польшу. В августе 1944 года при подавлении Варшавского восстания художник был арестован нацистами и умер в концентрационном лагере в Прушкове в том же году.

Эта подборка просто не могла закончиться другим именем. Если спросить у среднестатистического жителя России о том, какого художника он считает визитной карточкой русского пейзажа (если не русской живописи вообще), то, скорее всего, он назовёт фамилию Шишкина. Как и в случае с Куинджи перечислить здесь все заслуги и грани таланта Ивана Ивановича просто не представляется возможным, достаточно сказать, что Иван Николаевич Крамской говорил о Шишкине, как о первом натуралисте из русских живописцев. Однако некоторые критики всё же отмечали, что подобный натурализм в работах Ивана Ивановича часто заслоняет собой другие художественные особенности его картин, но все честно сходятся во мнении, что среди русских пейзажистов Шишкину, бесспорно, принадлежит место самого сильного художника.

Сам Иван Иванович часто говорил, что любит и признаёт и портрет, и натюрморт, и жанр, но захватывает его только русский лес, и только русский лес художник будет писать. Чтобы до конца закрепить за Иваном Ивановичем Шишкиным статус гения русского искусства, отметим, что исполнял он излюбленный жанр не только в живописи – Шишкин был непревзойдённым офортистом. Свой первый офорт «Горная дорога» Шишкин создал в 1853 году, когда учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1863 году он бегло ознакомился с техникой офорта у швейцарского художника Рудольфа Коллера, а систематически стал работать в этой технике с конца 1860-х годов. В 1871 году Шишкин стал членом-учредителем «Общества русских аквафортистов», созданного по инициативе живописца и графика Льва Михайловича Жемчужникова и искусствоведа Андрея Ивановича Сомова. Кроме обычного приёма иглой, Шишкин применял мягкий лак, акватинту и сухую иглу. В офорте мастер русского пейзажа стремился к реалистичности не меньше, чем в живописи.

Его полотно «Пейзаж. Сосновый лес» – это уже не импрессионистический «Ельник» Жуковского. Здесь каждый камень, каждая ветка запечатлены в монументальности своего реализма и кропотливого труда автора. Иван Иванович, исследую выразительные особенности лесного пейзажа, стал одним из первых русских художников, кто предпринял попытку создать осязаемую световоздушную среду в пейзаже. Воздуху и свету на его полотнах действительно отводится большая роль, поэтому лес в исполнении Ивана Ивановича Шишкина – это, прежде всего, пространство, но ни в коем случае не сливающаяся масса деревьев.

В заключении мы снова хотели бы вспомнить слова Константина Паустовского о том, что любовь к стране начинается с любви к природе. Именно это доказывали своим творчеством русские пейзажисты и, если внимательно взглянут на биографию каждого из них, становится понятно, что эту любовь они стремились подкреплять делом: защита страны на фронтах ВОВ, меценатство, учреждение частных школ… Но есть ещё один нюанс, который стоит подчеркнуть: у русских пейзажистов была богатейшая натура, которая художникам будущих поколений может не достаться, небрежного и потребительского отношения к природным богатствам нашей страны. И пусть наш вывод может показаться несколько наивным, вместо послесловия мы хотели бы привести стихотворения Валерия Чижова «В природе столько красоты!»:

 

В природе столько красоты –

Вглядись, и ты поймешь,

Зачем росистые кусты

Окутывает дрожь.

Куда, журча, ручей бежит,

Прозрачнее стекла,

О чем под вечер, в поле ржи,

Поют перепела…

Пусть станет сердцу твоему

Понятна птичья речь –

И ты научишься тому,

Как это все беречь.

Визит в музей.

Рекомендации для посетителей

12 августа наш музей начал свою работу. При посещении музея просим Вас соблюдать следующие правила:

    1. Пройдите, пожалуйста, бесконтактную процедуру измерения температуры
    2. При необходимости воспользуйтесь антисептической жидкостью для рук, которая находится в дозаторе
    3. В музее соблюдается обязательный масочный режим
    4. Соблюдайте дистанцию 1,5-2 метра
    5. Групповое посещение ограничено и составляет не более 5-ти человек
    6. Консультации можно получить у администратора или сотрудника музея

Надеемся, что  визит в наш музей будет комфортным